GLOSARIO DE PINTURA

GLOSARIO DE PINTURA

PROFESOR Gastón Laval P.

Aceite:

Los aceites usados en pintura son aceites secantes, es decir, aceites que se secan de manera natural en aire, como el aceite de linaza, le aceite de nuez y el aceite de amapola. Los pigmentos se muelen y mezclan con el aceite, que actúa como aglutinante.

Aglutinante:

Liquido que se mezcla con pigmento en polvo para formar una pintura

Aguada:

Capa fina de pintura transparente o muy diluida, que se suele aplicar en amplias pinceladas como base de color.

Alla prima:

(italiano: a la primera) Técnica de pintura directa realizada en una sesión y sin modificaciones. Generalmente no tiene boceto previo o fondo.
Técnica utilizada por los impresionistas, como una manera de captar la naturaleza de manera de captar la luz y el movimiento del modelo.

Carnación:

Se refiere a la representación pictórica de la piel, del cuerpo, de la carne. Aunque en un principio se refiere principalmente al color, también tiene relación con su brillo, textura y materialidad y sus contrapuntos.

Claroscuro:

Término aplicado a pintura, que se utiliza para describir intensos contrastes tonales de luz y sombra. Distribución de los valores tonales en una pintura. Su uso pretende la representación de la tridimencionalidad. La búsqueda de la tercera dimensión, por medio de gradaciones arbitrarias de los valores sin tener en cuenta su distribución acorde a la luz real, o bien, partiendo de un foco luminoso en los objetos.
En Rembrandt por ejemplo, la técnica de los contrastes de claro y oscuro se expresa frecuentemente por medio de la centralización de la luz pictórica de un objeto que absorbe al máximo de claridad en un campo oscuro, impregnando de media luz a los demas elementos del cuadro.

Color primario:

Aquel que no se obtiene por la mezcla de ningún otro color, en pintura rojo, azul y amarillo.

Color secundario:

Es aquel que se obtiene de la mezcla de dos primarios. Azul + rojo = violeta; amarillo + azul = verde; amarillo + rojo = naranja.

Color complementario:

Colores opuestos en el circulo cromático, es decir, la relación entre un primario y el obtenido por la mezcla de los otros dos restantes. Rojo / verde; amarillo / violeta; azul / naranja.

Color local:

Color de un modelo o superficie, no afectado por la luz, sombra, temperatura u otros factores.

Colores tierra:

Pigmentos naturales estables, entre los que se encuentran las sombras, sienas y ocres

Composición:

ENCUADRE: actividad imaginaria de la pirámide visual del pintor. Si la imagen que percibimos nos ofrece un campo visual, es que somos capaces de referir a este un desglose del espacio por una mirada móvil, en los términos del encuadre perspectivo, siendo el campo un fragmento del espacio recortado por la mirada y organizado en función del punto de vista, no es mas que un fragmento de espacio, y por lo tanto, es posible , a partir de la imagen representada, pensar en el espacio global del que ha sido sacado esta escena.
Desencuadre (o descentrada), imagen fuera de campo. Implica una consideración de los entornos de la imagen, del fuera de campo. Si Degas corta con frecuencia sus personajes por el borde del marco. es porque pretende sugerir al espectador que se prolongue imaginariamente mas allá del borde.

ESCENA: La concepción escénica del espacio comenzó con la perspectiva. En la pintura, es la representación del espacio. En el esta implícita la idea del fuera de campo. Si el espacio se representa es siempre como espacio de una acción, espacio de una puesta en escena.

PLANO: Distancia imaginaria del pintor con la escena y por lo tanto representación imaginaria para el espectador. Dependiendo de esta distancia en cine se habla desde plano general a close-up.

PUNTO DE VISTA: lugar desde el cual esta ubicado el observador, y por lo tanto, desde donde se construye la pirámide visual.

Contraluz:

Efecto producido en un objeto en el cual la fuente de luz se encuentra tras de el.

Genero:

Clasificación de las pinturas por su tema (naturaleza muerta, paisaje, retrato, etc.)

Imprimación:

Liquido que se aplica sobre el soporte con el fin de que actúe como barrera entre la pintura y el soporte y proporcione una barrera adecuada para la recepción de pinturas y medios.

Intensidad:

Pureza y brillo de un color. También se conoce como saturación. Cantidad de brillo o pureza de un color.

Gradación:

Transición tonal progresiva, de un color hacia tonos mas claros o mas oscuros.
Grisalla:
Técnica de pintura al óleo en la que se emplean únicamente tonos grises o neutros. La grisalla produce un efecto monocromático frío y sólido.Pintura realizada en un solo color, generalmente en gris, utilizando el modelado por sombras, y muchas veces imita esculturas o relieves con un propósito ilusionista. Prepintado Gris que se aplica para cubrirlo de veladuras de color.Pintura hecha con blanco, negro y tonos neutros. Puede proporcionar el efecto de un bajorrelieve.Pintura ejecutada en diferentes tonos grises o monocroma.
Medio:

Liquido en que quedan suspendidos los pigmentos, como el aceite de linaza en el óleo, o la resina acrílica para las pinturas acrílicas.

Matiz:

Color cercano o variación cercana de un color.

Opacidad:

Capacidad de cobertura de un pigmento.

Pasaje / Pantalla:

Pasaje: Gradación paulatina de cualquiera de los factores del tono, en la cual por mezcla lenta, no se perciben intervalos o diferencias marcadas en el pasar de un extermo a otro. Esta gradación, si se ajusta a los efectos de luz y sombra produce volumen.
Se la utiliza también en casos de superposición, cuando planos o figuras, al contener valores semjantes, deban verse como separados, es así que se gradan los tonos para que al llegar a la zona de superposición puedan ser diferenciados, o bien cuando al estar superpuestos son sometidos a la degradación de tintas ofreciendo de manera recíproca, una zona de unión de valores semejantes.

Pantalla: Forma de sugerir espacios, sin la aplicación total de la perspectiva clásica, superponiendo verticalmente los elementos del tema. La distribución de claros sobre oscuros y viceversa, hace que una forma tensione a la otra hacia delante, estableciendo un vaivén de oscilaciones que crea la sugestión de espacios.

Proporción:

La relación de una parte con la totalidad de la obra o con otras partes de ella.

Representación pictórica:

La expectativa de que cuando vemos una imagen plana reconocemos un objeto físico. Dado que los objetos físicos definen que es real, este tipo de representación se denomina a menudo realismo. Esto se da cuando la pintura se parece al objeto al menos en cierta medida. Es el principio de mimesis de Platón y Aristóteles, si se traduce como imitación, es decir, como hacer que las cosas se parezcan. Se basa en un principio de semejanza y analogía.

Representación simbólica: Cuando vemos la pintura de Jacopo Bellini, La anunciación (principios de 1430), que es la representación de una mujer y un pajaro, entendemos que significan la Virgen y el invisible Espíritu Santo. Siempre que se comparta con el pintor el conocimiento de esos significados. En este caso estamos de acuerdo en que una imagen puede ser sustituida por otra. La virgen del cuadro esta representado por una sinécdoque: se muestra una parte de ella, cierto aspecto de su ser físico. Pero el Espíritu Santo está representado por una metáfora, como una paloma.

-Realismo: Se refiere a aquellas obras que por su volumen, espacio, escorzo, color, etc., provocan la sugerencia de representar la realidad.




Temperatura:

Se refiere a la frialdad o calidez de determinados colores. Son calidos los rojos y todos los que se le acerquen y fríos los azules y todos los que se le acerquen.
Color cálido: Se refiere a las radiaciones del espectro luminoso que presentan las máximas longitudes de onda (rojo, naranja y amarillo) que producen una reacción subjetiva percibida como temperatura.
Color frío: Se refiere a las radiaciones del espectro luminoso que presentan las mínimas longitudes de onda (azul, violeta) que producen una reacción subjetiva percibida como temperatura fria.

Tono:

Oscuridad o claridad relativa de un color.
Grados de claridad u oscuridad que existen entre dos extremos de un color. El valor pone de manifiesto distintos grados de intensidad lumínica de un color, ligada siempre a la claridad u oscuridad del mismo.

Veladura:

Capa transparente de pintura que se aplica sobre otra para modificarla o intensificarla. Se aplica una vez seca la capa anterior. Los colores de la veladura al obtenerse a través de mezcla óptica, poseen una intensidad que es imposible de obtener a través de la mezcla física de la paleta, porque los colores transparentes reflejan luz.

IV UNIDAD POP

Unidad IV: El modelo Pop: 1) Estrategias de collage: fragmentación, superposición, yuxtaposición, reiteración. 2) Los medios de comunicación de masas como referente.3) Aplicación grafica del color, los medios pictóricos industriales. 4) La ampliación Movimiento de los años ´50-‘60El pop establece asociaciones con los diferentes elementos superficiales de una época. Nace sobre el debate de la creciente cultura de masas, el cine, la publicidad, la ciencia ficción, el consumismo, los medios de comunicación, El Pop Art mantiene el equilibrio entre las eufóricas perspectivas de progreso de una época y las ideas catastrófico-pesimistas. Pop es una consigna ingeniosa, irónica y crítica , una réplica a los slogans de medios de masas, cuya estética condiciona los cuadros y la imagen de la época. Pop es una manifestación absolutamente occidental, que se desarrolló bajo las condiciones capitalistas y tecnológicas de la sociedad industrial. La cultura pop y el modo de vida se estrechamente en los años sesenta. Los temas, las formas y los medios del pop muestran los rasgos esenciales que asociamos con el ambiente de los años sesenta y el estado de animo de esa época. El mundo se americaniza a través del pop. El Pop Art vive ne las grandes ciudades, en un comienzo Londres y Nueva York los centros artísticos.En este período de post-guerra, se produce una estabilización económica y politica en América y Europa. Viene una revaloración de lo “popular”.Como nunca los hábitos de consumo y de conducta fueron estudiados por sociólogos y utilizados en un sistema de marketing. El Pop y su objetualidad, se ve confrontado al subjetivismo del expresionismo abstracto de los ’40 y ’50. La contemplación subjetivismo, representación de los estados internos con reflejos objetivos del mundo exterior como documentos reales y símbolos externos de lo vivido.En 1953, Robert Raushenberg borra un dibujo de Willem de Kooning y dio a la hoja en blanco el nombre de “Dibujo de de Kooning borrado”. Si bien Rauschenberg, al igual que Jasper Johnes y James Rosenquist su obra tiene sus raíces en el expresionismo abstracto , con este gesto Los artistas Pop rechazaron la gran seriedad, la angustia y el elitismo asociados al estilo internacional de abstracción.Los temas pictoricos están inspirados en la vida diaria. El ícono, el fetiche, el souvenir, el envoltorio,el envase, el kitsh y las imágenes de la industria de consumo. Parte de esta cultura pop tiene que ver con provocación, la conmoción y la alteración de lo cotidiano. Nace una contracultura que rompe con tabúes y la mojigatería. La educación antiautoritaria, la emancipación de la mujer, la liberación sexual, los jóvenes forman un grupo social con identidad propia y una fuerza política importante. Nacen nuevos medios de comunicación. Nace una nueva sociedad con nuevos valores.The Beatles, The Rolling Stones, The Velvet Underground editaron discos diseñados por artistas como Peter Blake, Richard Hamilton y Andy Warhol.Una estrecha participación de lo trivial en el arte y el arte de lo trivial.La cultura de consumo, los medios de comunicación de masas, las nuevas tecnologías, tiene una doble cara: optimismo en el desarrollo/ decadencia social, confianza en el progreso/temor a la catástrofe, lujo/chatarra, el idealismo de la era Kennedy y su asesinato en 1963 en Dallas, la Guerra de Vietnam en 1964.Diseño publicitario, medios de impresión mecánica, colores industriales, aplicación gráfica del color. Los deseos amorosos, los sueños sin vivir, las esperansas de una epoca ofrecidas por los medios de comunicación. El mercado ofrece productos de consumo que satisfacen las necesidades de identificarse con un tipo o medelo: que leer, que comer, con que maquillarse, perfumarse, vestirse, que fumar, que música escuchar, que auto manejar. En el diseño del producto está un grado de seducción de este, el hombre está determinado por un paisaje de marcas que seducen y otorgan identidad a las masas.Euforia/melancolía, maquillaje/deterioro, arte/publicidad, pintura/diseño, “El Pop es amor porque lo acepta todo...Pop es lanzar la bomba. Es el sueño americano, optimista, generoso e ingenuo” Robert Indiana.Un símbolo de la época es el dinero, la fe en el progreso y en el poder económico de EEUU, lo mismo la Coca –Cola. “lo grandioso de este país es el hecho de que América fue la primera en introducir la costumbre según la cual los consumidores mas ricos compran las mismas cosas que los mas pobres. Puedes ver los anuncios de televisión y saber que el presidente bebe Coca, que Liz Taylor bebe Coca y piensa que tu tambien puedes beber Coca. Coca es Coca y por ninguna suma de dinero puedes conseguir una mejor que la que bebe el vagabundo en la esquina. Toda Coca es buena, Liz Taylor lo sabe, el presidente lo sabe y tu lo sabes” Andy Warhol..El dollar como símbolo de un poder americano vulnerable, billetes de dos dolares, como dinero que es, el dólar tiene un valor abstracto que garantiza la seguridad, pero por otro lado como billete es solo apariencia, como icono constituye el emblema de USA. La bandera.“EL MEDIO ES EL MENSAJE” Marshall McLuhan. (Herbert Marshall McLuhan (21 de julio de 1911 – 31 de diciembre de 1980) fue un educador, filósofo y estudioso canadiense. Profesor de literatura inglesa, crítica literaria y teoría de las comunicaciones, McLuhan es reverenciado como uno de los fundadores de los estudios sobre los medios y ha pasado a la posteridad como uno de los grandes visionarios de la presente y futura sociedad de la información. Durante el final de los años 60 y principios de los 70, McLuhan acuñó el término “aldea global” para describir la interconectividad humana a escala global generada por los medios electrónicos de comunicación). Una generación mas tarde que Walter Benjamín (La obra de arte en la era de su reproducibilidad técnica / 1936: la transformación del concepto de obra de arte a través de los medios técnicos de reproducción y había puesto de manifiesto la masificación de los sistemas culturales), McLuhan profundiza en los signos de una época, a partir de los cuales crecía el nuevo panorama de los medios de comunicación. El Medio es el Mensaje significa que el mundo y el ambiente de los hombres tan solo es un entorno de productos prefabricados, imaginable como una realidad escenificada. El termino Mass Media es equivalentea industria informativa recreativa, de consumo y de la concienciación. El medio no solo transmite mensajes, no solo es forma y vehículo de una comunicació.n, si no que es su propio tema, su mensaje y, en último término, el objetivo en si mismo. Los medios de masas están especialmente interesados en si mismos. Son las llaves de entendimiento social, , son los motores de la cultura, y nada funciona ni existe sin ellos.El éxito de los medios de comunicación, en términos históricos y económicos .El pop trata la comercialización de la mujer, criticando el rol socialPara los artistas del Pop la imagen de los medios de masas , los periodicos, la radio o la tv, se convierten en tema.; de este modo surge una iconografía ampliada conforme a una época.----Los artistas del Pop art recuperan la realidad acercandose al mundo material, coincidiendo con el milagro económico de fines de los ´50.La sociedad de masas y sus ídolos, desde las estrellas de cine hasta los astronautas.· Richard Hamilton, “Que es lo que hace a los hogares de hoy en dia distintos, tan atractivos?”Obra expuesta en Londres en 1956(“Esto es el mañana”), representa toda la gama de la cultura trivial norteamericana: la imagen contiene un culturista, el conocido Charles Atlas y una sensual mujer de anuncio como la nueva pareja doméstica, una chica de revista, un televisor, un equipo de sonido, el emblema de la Ford, una lata de jamón, una pintura en el living que es un comic, una aspiradora, el periodico, el cine, y el gran dulce etiquetado con la palabra POP. Todo bajo un techo formado por un fragmento de la tierra. Era el anuncio de una nueva era.Dicho collage revela tres cosas: 1. Una fascinación e ironía hacia los símbolos de opulencia norteamericanos, 2. La importancia del collage como técnica típicamente POP, procedente de la práctica cubista, dadaísta y surrealista.3. La inteligencia y complejidad de una composición llena de alusiones y ambigüedades, lo que se encontraba en contraste con la banalidad del tema. “Popular, pasajero, presindible, barato, producido en masa, ingenioso, provocativo, con truco, elegante y un gran negocio”. Richard Hamilton, 1957.La mayor influencia para el Pop Art, en particular para R. Raushenberg, J. Dine, Jasper Johnes y Claes Oldenburg proviene de Duchamp, ya que fue el primero en exponer objetos ordinarios, fabricados en serie, en el contexto de una galería o un museo, y en dibujar irreverentemente un bigote sobre el símbolo sagrado del arte occidental. Por otro lado sus trabajos tiene su origen en el expresionismo abstracto, pero rechazan su alienación e individualismo relacionados con este. El interes por la obra de Duchamp y del dada, la influencia de los collages de Picasso, y el esfuerzo surrealista por convertir en maravilloso lo cotidiano inspiraron la obra de estos artistas en su origen. Música : John Cage.Jasper JohnesUtilizando elementos conocidos por la mente, Johns crea imágenes ambiguas y perturbadoras, que al mismo tiempo se convierten en pinturas abstractas y signos convencionales.El Pop art convirtió la trivialidad en tema del arte y monumentalizó, por medio de la técnica de la ampliaciónlos íconos de una cultura de masas de una forma inteligente y crítica.El Pop fue un arte de reflexión crítica, sin prejuicios.James Rosenquist.Rosenquist trabajó como pintor de carteles de cine. Esto le dio la experiencia del cuadro de gran formato ,que a cierta distancia se lee realista pero de cerca es un patrón abstracto. Pinta fragmentos de realidad ampliados a gran tamaño, definidos y nitidos. A diferencia de las imágenes aisladas e independientes de Rauscenberg, los fragmentos están generalmente conectados en la obra de J.R. Son fragmentos de la realidad representados a gran escala. Trabaja un imaginario que proviene de la publicidad y el consumismo. La representación de Joan Croaford no es el retrato de la actriz, es la imagen manipulada con intenciones publicitarias. La imagen del ídolo de masas, manipulada para seducir al consumo de una marca de cigarrillos. Tom WesselmannLos tópicos de la publicidad , personificados como una Venus contemporanea de labios gruesos y entreabiertos, una mujer que es un objeto sexual anónimo, dirigido a aumentar las ventas.. Solo se destacan las zonas erógenas de su cuerpo. Roy Lichtenstein Andy WarholEn la obra de Warhol da la impresión que los valores y los sentimientos parecen no existir. Registra disturbios raciales, suicidios, la silla eléctrica, la bomba atómica con la misma distancia que lo hace con flores, latas de conserva, envases, estrellas de cine, políticos e iconos de la cultura de masas en general

III UNIDAD IMPRESIONISMO

Unidad III: El modelo impresionista: 1) paleta impresionista2) la mezcla óptica del color3) la materia pictórica4) pintura alla prima5) el referente fotográfico6) la representación del instante. París se convirtió a lo largo del siglo XIX en una ciudad moderna, en que debido a la industrialización su población prácticamente se duplicó, trayendo gran parte de la población rural en busca de trabajo. París, con aproximadamente un millón de habitantes era la tercera ciudad mas grande del mundo. La miseria que trajo consigo esta situación obligó a ejecutar un gran proyecto de saneamiento, sobre el confuso entramado urbano del centro de la ciudad se dispuso una una red de bulevares amplios, rodeados de grandes casas. Esto permitió que los espacios abiertos permitieran la entrada de la luz y el aire en el laberinto medieval y también permitir un mejor dominio militar después de los sucesos de la Comuna de París de 1848. Este proceso que duró prácticamente 20 años fue causa y efecto de un proceso de modernización que permitieron el desarrollo industrial y la reestructuración social. La sociedad parisina se vio dividida, los trabajadores y la industria se fueron a la periferia, el centro de la sociedad pasó a ser de dominio absoluto de la burguesía. La vida de la ciudad en sus distintas facetas retrataron los impresionistas. Tanto los espacios íntimos, públicos, de entretención, los bulevares, el río Sena, las nuevas construcciones de acero, la vida al aire libre y el ocio, los almuerzos en la naturaleza, la luz artificial.Dejo de ser el pasado, la historia, el mito, la escena religiosa el gran tema para los impresionistas, fue el presente.A partir de la primera mitad del siglo XIX, París se convirtió en la primera metrópolis realmente moderna, tanto física como socialmente, y muchas de las obras impresionistas plasmaron este nuevo paisaje urbano. Los impresionistas fueron esencialmente modernos al incorporar nuevas técnicas, teorías, prácticas, y variedad a los temas de sus pinturas. Su interés es captar la impresión visual de una escena, en pintar lo que el ojo ve, mas que lo que el artista sabe, fue algo tan revolucionario como la costumbre de trabajar en el exterior, en lugar de la soledad del estudio, para observar los cambios de la luz y de colores que se producían en la naturaleza. La huida de temas alegóricos, históricos, mitológicos, mas bien mostrar imágenes fugaces de la vida moderna. “Una obra espontánea en lugar de una obra calculada” (Monet).En París en 1874, en el estudio de Félix Nadar, un grupo de jóvenes artistas decidió reunirse y exponer su trabajo, cansados del rechazo general de sus obras a los salones oficiales. Las obras de treinta pintores fueron recibidas con curiosidad, y confusión, sarcasmo y rechazo.“Quisieron saber su título para el catálogo; dado que no podía considerarse una vista de Le Havre. Repliqué, “utilicen impresión”. Alguien creó a partir de éste el termino impresionismo y, entonces, fue cuando comenzó la diversión”. E.Monet.La apariencia inacabada y similar a un esbozo de la obra, que en un primer momento provocó numerosas críticas, fue lo que los críticos mas afines al movimiento como la característica que le proporcionaba mas fuerza.Los unió el rechazo hacia el arte establecido y su monopolio sobre aquello que debía exponerse. Hacia finales del siglo XIX , la Academia francesa seguía apoyando ideales del renacimiento: la obra de arte debía ser noble o instructiva, su valor dependía en gran medida por su semejanza descriptiva, a su carácter mimético. La acción de los impresionistas, que se enfrentaban a las convenciones y al poder y monopolio de la autoridad sobre la cultura, fue la organización de una exposición independiente. La obra de Manet fue una influencia importante para el impresionismo. Sus obras aparentemente inteligibles o incompletas, subvertían deliberadamente las ideas clásicas.El contraste, el carácter difuminado, indefinido, la fragmentación de la imagen provocados por la aparición de la fotografía también causaron un intenso impacto sobre ellos, al igual que los grabados japoneses. En una época de constantes innovaciones técnicas, la fotografía les sedujo por la instantaneidad. La luz de un instante de la vida fijada.Durante la decada de los ´70 gran parte de la pintura impresionista tenían como tema el efecto de la luz sobre el paisaje.El fenómeno de la luz, del color, al pintar al aire libre se dieron cuenta de cómo estos alteran las formas, la visión de los objetos, sus contornos y contrastes. La pintura era el reflejo de un instante cualquiera, un instante lumínico específico. Esta forma de pintar sin detalles, de formas confusas e indefinidas y poco claras era lo que los artistas pretendían permitiendo ver la pintura como pintura. Si los pintores de la Academia utilizaban una técnica que imitaba en lo posible al objeto en la forma y color, los impresionistas permitieron dejar al descubierto el procedimiento, la manera de trabajar, el empaste informa sobre el procedimiento pictórico, el modo de percepción y el medio de representación. Ahora, junto con los motivos representados, también se añadían , como nuevo tema del cuadro la “tecnica”, el comportamiento del óleo, su materia, el empaste. Declararon terminados los cuadros en los que aun se veía el lienzo sin pintar. Para los académicos un cuadro estaba realmente terminado si estaba completamente pintado, sin embargo los impresionistas no ocultaron el soporte de sus pinturas. Resaltaron el hecho de que la pintura siempre es algo artificial, que la representación pictórica siempre es una ilusión de la realidad, y en relación a esto el cuadro es una nueva realidad, independiente de cualquier función imitadora.Monet: La estación de ferrocarriles (1876-1877) .Renoir: Baile en el Moulin de la Galette(1976), el principal interes de Renoir está en la figura humana, el tratamiento de la luz, el color y el movimiento.Degas: Expuso en 7 de las 8 exposiciones impresionistas, aunque el siempres e declaró un realista: “ningún arte fue nunca tan poco espontaneo como el mio, lo que yo hago es el resultado de la reflexión y el estudio de los grandes maestros; yo no se nada de la inspiración, la espontaneidad y el temperamento artístico.Fue el artista que mas se vio influenciado por la fotografía, con la ruptura del centro de atención del campo pictórico, la captación del momento fugaz, y la fragmentación de los cuerpos y el espacio en la imagen. En algunos trabajos realizo una especie de encuadre de “ojo de cerradura”, para retratar a la mujer en posturas íntimas, Manet:No se le puede definir como un impresionista. Realizó un viaje de estudios por España, Holanda, Austria e Italia, viéndose influenciado por Goya y Velásquez. Modernidad y contemporaneidad de sus temas.Almuerzo Campestre, expuesto en 1863 en el Salón de los rechazados, Literatura -Emil Zola,Virginia Wolf.Musica – Ravel, DebussyEl término Impresionismo pasó de la pintura a la música en el 1887. El jurado del Premio de Roma, convocado por la Academia de Bellas Artes francesa, lo aplicó a la música de Claude Debussy para criticarle la que consideraban falta de claridad de la estructura y el exceso de colorido musical. Como en el caso de la pintura, el término fue acogido como halago por parte de Debussy, que no tardó en exponer que la música era, en realidad, más adecuada para captar la impresión que la pintura, dado el carácter estático de esta última. En el mismo sentido se pronunció la crítica. Más adelante, no obstante, definiría el compositor a su música como simbolista y no como impresionista, dado que consideraba que empleaba determinados esquemas melódicos y rítmicos como símbolos descriptivos. A pesar de ello, la crítica y la historia de la música han dado mayor importancia al término impresionista, que es con el que se conoce al movimiento. Junto con Debussy , se encuentra a su frente el también francés Maurice Ravel (1875-1937). De sus producciones destacan Prélude à l’après-midi d’un faune (Preludio a la siesta de una fauno), La Mer (El Mar) y Suite Bergamasque del primero; y del segundo La Valse, Pavane pour une infante défunte (Pavana para una infanta difunta) y, sobre todo, el famosísimo Bolero. Los demás compositores habitualmente clasificados como impresionistas (Florent Scchmitt, Albert Roussel, Paul Dukas, Charles Koechlin , Roland Manuel, André Caplet...) sólo los son por un aspecto particular de su obra o de su estilo.El Impresionismo es una de las respuestas que surgen como consecuencia del cansancio de los recursos clásicos de la música tonal, a los que compositores como Liszt y Wagner estaban llevando al extremo. Para ello, los impresionistas tendieron a emplear escalas modales (entre ellas la escala musical hexafónica o de tonos enteros, do-re-mi-fa sostenido-sol sostenido-la sostenido procedente de la música de Java y Bali) con las que se buscan efectos diferentes de los creados por el cromatismo y la melodía infinita de los compositores wagnerianos. Esto, unido a un tratamiento diferente del ritmo, en el que se busca, mediante cambios frecuentes de acento, un carácter impreciso, y a una selección tímbrica adecuada, ayudan a componer un tipo de música de ambientes difuminados y sugerentes, los más adecuados para crear la impresión que da nombre al movimiento. Unidad IIIEL MODELO IMPRESIONISTAImpresionismo: movimiento pictórico de la 2° mitad del siglo XIX en Francia, que se interesa por representar la incidencia momentánea de la luz sobre los objetos, mediante pinceladas sueltas y el colorido, siendo sus principales motivos los paisajes y escenas urbanas. Debe su nombre a la obra “Impresión: sol naciente” de Monet denominada despectivamente por el crítico Louis Leroy en la 1° exposición impresionista (colectivo que rompe con la academia) ANTECEDENTES:revolución industrial, causante del estudio de teoría color· Industria productora de color sintético, nueva consistencia (maquinas baten color), tubos metálicos, pinceles · Industria textil: mezcla óptica . Chevreul escribe tratado color telas para con 2 colores sacar más (lo q lleva a fragmentar pincelada)· Fotografía, se creo 1839 (cuestiona la pintura mimética y sirve como herramienta para pintar)· Cine (imágenes que se mueven)· Urbanismo· Post 1° guerra mundial Características impresionistas:1) paleta impresionista: colores sintéticos, colores nuevos 2) La mezcla óptica: (estudio de color a partir de la mezcla óptica) No existe color local, las cosas reflejan todos los colores del entorno, por lo que colocan en la tela colores fragmentados que generan una mezcla óptica en la tela3) La materia pictórica: maquinas baten los oleos, consistencia mas pastosa como mantequilla4) Pintura alla prima: pintura rápida, se pinta sobre mordiente (mojado), generalmente no matan la tela5) Pintura al aire libre: formatos medianos a pequeños y el desarrollo de la industria (tubos metálicos, maleta pintura) permite pintar al aire libre6) Pinceladas: pinceladas fragmentadas como mosaicos: nuevos pinceles con abrazaderas, espatulados, generan nuevas manchas y pinceladas cortas. Pincelada suelta7) El referente fotográfico: presentan encuadre fotográfico8) Relación con el modelo: No hay respeto mimético por el modelo (rompen con la academia), por que para ello ya existe la foto por lo que privilegian la mancha y el color9) Temas: Artistas de ciudad: introducen concepto paisaje urbano con desarrollos tecnológicos (dejan el tema de “la narratividad” utilizado por la academia) .10) La representación del instante: imágenes desenfocadas, captan movimientos y momentos efímeros, se sienten atmósferas (calor, frío) por el estudio de la luz (ej: Monet, misma catedral a distintas horas.11) Se privilegian en las obras el color antes que la línea, la vista “la impresión “ cosas enfocadas y otras no. Pintores: Monet, Degas y RenoirMONET (1840-1926)Artista de vanguardia, padre del impresionismo, Antecedente del expresionismo abstracto· 1° etapa (antes de 1870): obras un poco mas próximas al realismo, se dedica a la visualidad como fenómeno y captar la luzColor estructura la obra, ejercicios de luz y sobra, perspectiva aérea (amarillo adelante, azul atrás), mucha textura y pastao Mujeres en el jardín: problemática color sombras violeta, luz amarilla, todavía existe dibujoo Terraza St andres: disminuye protagonismo figuras, aumenta protagonismo sombraso Mujer con sombrilla: no existe rostro, solo sombraso Mar: no existe línea horizonte, mezcla en tela, pincelada fragmentada, todos los colores, movimientoo Paisajes urbanos: parques, locomotoras, orilla Sienao 1870 Sra Monet y amiga en la playa: hecho en 2 hrs en la playa (sobre mojado), cuestiona el color local (vestido refleja la sombrilla azul, tiene gris, amarillo napole y blanco) mucha textura, usa pincel como espátula, mezcla en la tela. ( 1870 se va a Inglaterra x guerra franco –prusiana y ve a Constable)o 1872 Impresión sol naciente (expuesta 1874 junto a otras obras de pintores independientes de la academia) color estructura la obra· 2° etapa series. Un mismo motivo a distintas horas del día, para investigar los distintos cambios lumínicos (pa capturar momentos efímeros), ya no hay figura humanao Almeares, Estación San Lazaro, Catedral de Rouen, Calle San D´nee, Bulevar de los Cappuccinos, Puente Japonés· 3°etapa .Obras siglo XX: pintura de acción Desaparece horizonte, aumenta formato, capas yuxtapuestas, mezcla in situ y arrastra, exacerba color (satura), más abstracción , más violenta, pinceladas ondulantes.o 1906 Nenúfares: grandes decoraciones para ser llevadas a espacios públicos. despojados del modelo original y se nota el registro de acción en la pintura 8se comparan con Pollock )o 1916-20 Puente japonés y jardín color exacerbado, gesto violento (con glaucoma y su mujer ya murió) DEGAS (1834-1917) Cronológicamente esta mezclado con los impresionistas y expuso con ellos, pero se diferencia en que:· Le interesa la figura humana (no el paisaje ni capturar la atmósfera): Retratista que deja testimonio de cierta clase social, lo que la imagen narra ( es aristócrata por ello retrata el ballet y carreras de caballo). · Figura altamente figurativa. Rostros al final se vuelven mas anónimos.· Nuevo tema: lo cotidiano, donde la mujer es protagonista (ej: siendo peinada) y haciendo vida social (yendo a la ópera, etc). · Excelente dibujante, Línea es muy importante. Utiliza mucho el contorno, calca sus propios dibujos. Ej el contorno de una misma figura lo copiaba con distintos colores, atmósferas y escenarios. ( en sus series, se entiende el proceso)· Pintor de estudio, pinta a partir de fotos (autor de las fotografías), no de modelos al natural ni al aire libre, lo que le permite captar el movimiento y los encuadres· Diagonal (inestable, da movimiento, como en el barroco) Rasgos impresionistas:· Captura el instante, fragmento de la realidad (pero en movimiento)· Noción de inacabado· Entramado cromático, no hay color local (hace un tejido de color)· Existe indefinición y sombras de color y provoca profundidad aérea a través del azul atrás, naranjos adelante· Encuadre fotográfico Firma los dibujos, se hacen autónomosUsa óleo, pastel seco y graso, papel ingres y diamante Obras· mujer con crisantemos: óleo sobre lienzo, pincelada rápida y oleosa, idea inacabado, da vuelta el pincel y con este vuelve a dibujar· el ajenjo: óleo sobre lienzo, incomunicación pareja, la separación. Atrás espejo activa el plano con sombras· comerciantes, oficinistas, etc · Serie bailarinas (en severos ensayos, cansancio tras bambalinas) las pinta realizando una acción. ej: niña arreglándose la media esta en diagonal. · Serie mujeres entrando a la bañera: aparece la bañera, el sofá y una diagonal como cama ( va entrando en la abstracción)· Serie mujeres secándose : rostros comienzan a perder protagonismo, achurados, contraluz· Serie mujeres peinándose : sirvienta no aparece solo manos y la acción· Serie mujer probándose sobreros· Mujer en el bacón: (obra maestra) óleo sobre papel, exploró pincel seco con un poco de diluyente, dejó trazos del pincel, no se reconoce la cara, inconcluso (esta en courtauld institud)· Carrera de caballos de carrera. Caballo protagonista, sombras de color (muy poco paisaje)· Esculturas bronce adelantada a la época: caballo muy sintético, bailarina con técnica mixta ropa y pelo de verdad RENOIR · Trabaja con velocidad· Temas: Paisaje urbano. retratos (para ganar dinero), los rasgos no son importantes · Rostros mas tradicionales y definidos en cambio los fondos (paisajes) son mas sueltos y difusos· Perdida línea contorno es total· Importante atmósfera y énfasis en color: tonos pastel y rosa (colores pasteles se vendían mejor)· Particulariza colores que le interesan el color · Encuadres fotográficos mas cerrados· Pinceladas no tienen uniformidad de tratamientos , van en todas direcciones generando movimiento y da idea de desenfoque Obras· Una tarde de domingo: colores pasteles rosa, movimiento ciudad, paisaje urbano. Pincelada va cambiando· Niñas tocando el piano· Mujer en palco ( la opera) pintura social: Rostro y paisaje se da dicotomía, regatas difusas y rostros bien definidos· Desnudos, erotismo rubes, pintura galante erótica, los hace para el · Los verdes sostiene los tonos carne

II UNIDAD BARROCO

El modelo barroco: El Barroco se extiende entre el absolutismo y la ilustración. La lucha religiosa desencadenada por los reformistas en el siglo XVI contra la iglesia católica se transforma en el s. XVII en una lucha por el poder terrenal. En toda Europa estallan guerras en nombre de la religión que cambiaron por completo la situación política. Estos cambios históricos profundos propiciaron una gran variedad de matices en el arte de ese tiempo. Surgieron estilos caracterizados por la nacionalidad, pero sobre todo por su confesionalidad.Italia tomo una actitud pionera, alejandose del manierismo del siglo XVI, cuya artificialidad había decaido a la ornamentalidad. A pesar de la diversidad de estilos que convivieron en la época, la historia del arte los agrupa a todos bajo la denominación de Barroco, estilo que termina a mediados del XVIII con el Rococó, antes de ser sustituído por el Neoclasicismo en los años de la Ilustración.En Italia, la iglesia católica experimento una recuperación del poder durante la contrarreforma. Roma se convirtió en una importante metrópoli a la que viajaban artistas de todo el mundo. La iglesia comprendió que el arte era el medio para llevar a cabo la recatolización, puesto que era capaz de capturar los sentimientos del hombre. Este ardor religioso con frecuencia se tradujo en mediante obras de carácter monumental, de realismo persuasivo y con un alto contenido emocional. Muchas veces el punto de fuga no recoge la mirada del espectador, sino que la mirada fluye por curvas y diagonales a través del cuadro.Dramatismo, Phatos, dinamismo, ilusionismo. Caracci y Caravaggio, Caravaggio trivializo los grandes temas. Consiguió la exaltación de la realidad a través al descubrimiento de la trivial, lo cotidiano, lo vulgar. El pintor reemplazo el ilusionismo por un realismo completamente desconocido hasta entonces.Caravaggio buscaba sus modelos en las calles de Roma. Pintaba a los santos y a las figuras mitológicas como a seres humanos procedentes del puebloy marcados por el trabajo y la vida. Su realismo radical, que a menudo fue tachado de profanación, echo por la borda el concepto de belleza del renacimiento y la artificialidad del manierismo.La espiritualidad la conseguía a través del tratamiento de la luz, por medio del claroscuro. La luz es parte activa del acontecimiento representado: produce espacio, hace brillar los colores, dinamiza la composición, proporciona plasticidad a los cuerpos y concede a sus cuadros una espiritualidad mística.El tratamiento particular de la luz en la pintura de Caravaggio, encontró muchos seguidores, en Italia, Francia, pero sobre todo entre los artistas holandeses, que en el siglo XVII hacían estancias en Roma. En holanda, junto a los temas religiosos y mitológicos se dio un amplio desarrollo de escenas cotidianas.Rubens: Nuevamente la discusión entre dibujo y color se dio entre los seguidores de Poussin (Poussinistas) y los seguidores de Rubens (Rubinistas). A diferencia de Poussin, Rubens era un declarado anticlasisista. Sus cuadros no están determinados por la serenidad, el equilibrio y una ponderación casi estática, sino mas bien por un dinamismo móvil. Carnación.Velásquez: España, centro de la contrarreforma y la inquisición. El repertorio pictorico es mas limitado: temas religiosos y temas cortesanos y escenas domesticas.Las Meninas (doncellas de honor): El espacio, la materialidad y la relación que se establece entre los personajes son fundamentales en esta obra. La infanta Margarita esta rodeada por las meninas, pueden apreciarse los enanos y empleados de palacio. A la Izquierda Velásquez con son pincel y paleta. En el reflejo del espejo el rey y la reina, quienes desde el lugar del espectador contemplan toda la escena. La pincelada es suelta.Holanda: Holanda se convertía en el pais mas rico de su tiempo. Las provincias unidas del norte consiguen en 1648 la independencia de España católica y con ello la libertad de religión. Las imágenes inspiradas en la vida cotidiana cobraban mayor interés. El desarrollo de la burguesía produjo cambios tanto el gusto como el repertorio pictórico. La burguesía se intereso por los generos bajos de la jerarquía artística: bodegones, paisajes, temas costumbristas y de la vida cotidiana. Los retratos también experimentaron un auge importante, en que junto a la burgusía los miembros de los gremios encargaron retratos de grupo para sus corporaciones.Rembrandt: continua con la tradición del claroscuro de Caravaggio, en que las escenas construidas a partir de fuertes contrastes de luz, que muchas veces no provenía de una fuente concrteta. En algunos casos la luz proviene de los cuerpos o de un cuerpo cuya luminosidad irradia el resto del cuadro, tomando un carácter simbólico. En 1631 recibe su primer encargo de parte de un gremio realizando el cuadro “La lección de anatomía del Dr. Tulp”, para la corporación de cirujanos. Mediante las atentas miradas de los médicos colocó en primer plano coloco en primer plano el tema de la clase en si, para retratar al gremio en su ambiente natural. La luz que irradia el cuerpo ilumina la escena en que los rostros de los médicos aparecen de la oscuridad iluminados por una suave luz. De esta forma consigue que los personajes, aunque individuos independientes consigue una unidad compositiva a través del uso del claroscuro. En la “Ronda nocturna”(1642), cuadro encargado en 1639 por la corporación de arcabuceros de Ámsterdam, saliendose de los patrones de representación de un retrato de grupo de la época, en que el cliente esperaba verse retratado con claridad y dignidad, la mayoría de los personajes se encontraba medio tapado, en un segundo plano o con las caras a oscuras. Además pinto 31 personas en vez de 18, es decir introdujo otros personajes para ilustra y darle vida a la obra. El capitan levanta la mano como si fuera a dar una orden, el tambor hace resonar su instrumento y el soldado carga su mosquete y tensa el gatillo. Creo profundidad en el espacio mediante claroscuros construyendo una escena llena de movimiento. 1) Paleta barroca: Blanco, negro, amarillo de plomo, rojo bermellón, ocres, sienas y sombra, laca roja, ocre rojo, azul cobalto, azurita. · Procedimiento: Dibujo de los cuerpos. Aguadas sombra tostada para todo y sacar luces con paño, dibujo con tiza. 2) Claroscuro: Término aplicado a pintura, que se utiliza para describir intensos contrastes tonales de luz y sombra. Distribución de los valores tonales en una pintura. Su uso pretende la representación de la tridimencionalidad. La búsqueda de la tercera dimensión, por medio de gradaciones arbitrarias de los valores sin tener en cuenta su distribución acorde a la luz real, o bien, partiendo de un foco luminoso en los objetos.En Rembrandt por ejemplo, la técnica de los contrastes de claro y oscuro se expresa frecuentemente por medio de la centralización de la luz pictórica de un objeto que absorbe al máximo de claridad en un campo oscuro, impregnando de media luz a los demas elementos del cuadro.De acuerdo a la práctica habitual, en el cuadro, la luz proviene de la izquierda del pintor.3) pasaje y pantalla: Pasaje: Gradación paulatina de cualquiera de los factores del tono, en la cual por mezclalenta, no se perciben intervalos o diferencias marcadas en el pasar de un extermo a otro. Esta gradación, si se ajusta a los efectos de luz y sombra produce volumen.Se la utiliza también en casos de superposición, cuando planos o figuras, al contener valores semejantes, deban verse como separados, es así que se gradan los tonos para que al llegar a la zona de superposición puedan ser diferenciados, o bien cuando al estar superpuestos son sometidos a la degradación de tintas ofreciendo de manera recíproca, una zona de unión de valores semejantes.Pantalla: Forma de sugerir espacios, sin la aplicación total de la perspectiva clásica, superponiendo verticalmente los elementos del tema. La distribución de claros sobreoscuros y viceversa, hace que una forma tensione a la otra hacia delante, estableciendo un vaivén de oscilaciones que crea la sugestión de espacios 3) la mancha pictórica: Velásquez y Rembrandt4) Composición dinámica: El punto de fuga central varía a uno lateral, la excentricidad del cuadro indica que ley del mundo ha perdido valor, dando un resultado mas dramático. El privilegio de las horizontales y verticales por el uso de la diagonal.5) forma abierta: las formas se integran al fondo, en oposición a la forma abierta. En el Barroco se expresa a través del contraste y pasaje a través de la cual las formas se funden con el fondo. Forma en la cual uno de los tres contrastes (luz, mediatinta, sombra) con respecto al fondo ha desaparecido. La forma abierta presenta zonas de integración con el fondo, debido a que en estas se ha anulado el contraste con respecto al fondo.6) representación realista. BARROCOTecnica de construccion pictoricaEl contorno figuras se fusiona con el fondoIluminación figuras, desde un focoConstruccion en profundidad recesiva (retrocede con diagonales) figuras en diagonal son arrastradas hacia atrásForma abiertaDiagonales contrastan con horizontales y verticales del marco(fig en angulo en relacion al plano del cuadroFiguras no contenidas, recortadas por el marco, lo que genera sensación de espacio ilimitadoAsimetría por las diagonalesMovimiento, composición dinamicaUnidad lograda por luz fuerte y rígida, unidades soldadas, pinturas se mezclanLuz fuente unidireccional acentúa la unidad y generauna continuidad en las diagonales que atraviesan la superficie y vuelve al fondoLuz funde las formas y modera los colores localesLos elementos arquitectonicos no son claros, solo diagonales recesivasHorizonte bajo

I UNIDAD

El modelo renacentista: - Con Giotto se abandona la forma de representación tradicional del medioevo e introdujo un nuevo realismo que captaba al hombre, el espacio y el paisaje de igual forma. En su “Lamento por Cristo muerto ya no se estereotipan las figuras según un modelo tradicional, sino que se representan como seres con rasgos personales que tienen sentimientos y sufren, sustituyendo el tradicional fondo de oro por el paisaje. Los personajes se han humanizado.“Lamento por Cristo muerto” hacia 1304-06. Fresco capilla de Arena, Papua. - Vasari escribe en 1550 La vida de los mas eminentes pintores, escultores y arquitectos italianos, encabezando el Giotto la lista de los pintores de la edad moderna. El introdujo la tridimensionalidad en la pintura y fue el primer artista que firmó su obra, comenzando la valoración individual del artista, distanciandoce de la noción del artista como mero artesano.- Vasari describió las innovaciones y los cambios llevados a cabo durante el Trecento como un renacimiento, sin embargo no fue hasta el siglo XIX que este termino describía el periodo que abarcó los siglos XV Y XVI.- El centro cultural del Quattrocento fue Florencia. Se estudiaban los textos de Vitruvio y Euclides, se discutía de filosofía, poesía y geometría. Se escribieron los primeros tratados de pintura, de modo que los conocimientos ya no se transmitían los conocimientos de maestro a discípulo en forma oral como en tiempo del Giotto. 1) Paleta renacentista: tierras, verde tierra, azul ultramar, rojo bermellón, amarillo, negro, blanco. 2) Procedimiento: Grisalla, color local, verde en la piel, veladuras. 3) Ilusión de la tridimensionalidad: perspectiva y modelado MODELADO: En 1435 el escritor y pintor León Battista Alberti publico su tratado Sobre la pintura.Alberti divide la pintura en tres partes: la circunscripción o dibujo de contorno, la composición y la “recepción de luces”, que incluye el color.” Un mismo color se hace mas claro o mas oscuro según incida mas o menos luz sobre el...el blanco y el negro son los colores con los que se plasman las luces y las sombras en pintura, y los demás colores, por así decirlo, son la materia prima sobre la que se aplican las variaciones de luz y sombra”.“un color puede modificarse aplicándole moderadamente un poco de blanco en el lugar preciso y añadiendo igualmente un poco de negro en el lugar opuesto. Mediante este equilibrio entre el negro y el blanco el efecto de relieve resulta mas acusado”.“La aplicación del color resultará mas fácil si el pintor ha dibujado correctamente el contorno de las superficies y ha delimitado correctamente la frontera entre las partes mas claras y las mas oscuras”.“El blanco y el negro no son verdaderos colores; son por así decirlo, moderadores de los colores, ya que solo el blanco permitira la pintor representar la luz mas brillante y el negro las sombras mas oscuras”.Para Alberti, los objetos blancos o negros no deben pintarse con los pigmentos blancos o negros mas puros, sino con alguno de los cuatro tonos mas oscuros o mas claros que el color absoluto PERSPECTIVA Alberti consiguió representar matemáticamente los principios de la perspectiva tal y como Giotto los había desarrollado en sus obras. El escultor y arquitecto Bruno Brunelleschi, observó años antes que Alberti que las líneas paralelas de la naturaleza convergen ante nuestros ojos en un punto determinado del horizonte.- Sobre esta base de una perspectiva lineal, Alberti desarrolló un concepto que permitía la representación espacial de objetos que permitía la representación espacial de objetos tridimensionales sobre una superficie bidimensional y comparó esta superficie con una ventana abierta por la que el pintor mira al mundo. Esta ventana se interpone entre el ojo y el motivo. Según esta teoría todos los elementos del cuadro se dirigen hacía un punto de fuga y consiguió una retícula en que los objetos se hacen mas pequeños conforme aumenta su distancia. El método fija la vista en un punto, distribuyéndose el espacio en el cuadro mediante una perspectiva central. - Masaccio pintó en 1427 un fresco de la Trinidad en la iglesia Santa María Novella de Florencia. El efecto visual que proponía el cuadro se oponía radicalmente a la costumbre visual de la época. La tridimensionalidad del fresco se crea no solo pro la perspectiva, sino que por la relación de proporcionalidad entre los cuerpos y el espacio. El hombre y la arquitectura se someten a la misma medida por lo que están en armonía. - Con la composición perspectivolineal el espectador también forma parte de la obra, dado que causa la impresión de que toda la escena apunta únicamente a la mirada del espectador, puesto que el punto de fuga se encuentra frente a sus ojos. - Piero della Francesca poseía un espíritu investigador empírico. Publicó sus descubrimientos en varios tratados. Para el la creación divina se basaba en una geometría perfecta.“ Para ser un gran artista hay que ser un gran geómetra” predicaría Della Francesca. Aprendió la técnica de la veladura de los pintores holandeses de la corte de Urbino, proporcionando a sus cuadros el efecto de una luz natural y diurna. Mediante esta iluminación que captaba de igual forma la totalidad de los elementos del cuadro se funden todas las formas en una composición única. Piero Della Francesca, La flagelación de cristo, 1460, temple sobre tabla). - Andrea Mantenga, Cristo muerto (1480, temple sobre lienzo), muestra en escorzo el cuerpo sin vida de Jesús, que sigue a quien lo contempla en cualquier posición en que este se sitúe, produciendo la impresión de que se encuentra a los pies del hijo de Dios que, con sus heridas abiertas, parece introducirse en la misma habitación donde se halla el espectador. Mantenga se interesa por la fuerza sugestiva de la perspectiva, que es capaz de hacer participe a quien contempla la obra. - Leonardo da Vinci, La última cena, 1495-1498. Temple y óleo sobre muro. Leonardo también utilizo la perspectiva como un medio de represtación de la realidad espacial. De esta forma obtenía una imagen “realista del mundo, que ordenaba mediante relaciones de contenido y de forma. En el mural pintado para el refectorio del convento de Santa María de la Gracia, muestra un complejo tramado de relaciones contextuales. En la parte inferior del cuadro frente al espectador, se extiende la mesa, de modo que, quien contempla la escena, se encuentra frente a Cristo y los apóstoles. Jesús ocupa el centro del cuadro y acaba de pronunciar las palabras “En verdad, en verdad os digo que uno de vosotros me entregará”. Los apóstoles niegan la afirmación mostrando un comportamiento consternado y murmuran entre ellos. Por su lado Cristo muestra tranquilidad y equilibrio, y se caracteriza por una actitud estática y solemne. - FLANDES: Flandes, era junto a Florencia la región mas rica y progresista de Europa. Los artistas intentaron representar el espacio, el cuerpo, el color y la luz de la manera mas natural posible. Descubrieron a partir de la observación mas que de las matemáticas la perspectiva central, que las formas perdían definición en la medida que se alejaban, que su intensidad cromática disminuía y tendía al azul. En el paisaje descubrieron, antes que Leonardo, la perspectiva aérea y cromática. - El Matrimonio Arnolfini, Jan van Eyck, 1434, temple sobre tabla 82 x 60 cm.La representación naturalista de una pareja en una habitación tipicamente burguesa, marca el cambio de la pintua sacra hacia la pagana. Ante la pareja que contraerá matrimonio un perro, símbolo de la fidelidad. Sobre ellos una única vela prendida, símbolo de la presencia de Cristo. El pintor ha dado testimonio de su presencia firmando, “Johannes van Eyck estuvo presente”, que se lee sobre el espejo, donde se observan también los padrinos. En esta obra encontramos una sostenida disminución proporcional del contraste de luz y sombra. En la medida que los objetos se acercan a la fuente de luz aumenta su intensidad en los objetos. - Proporción y perspectiva junto a una observación profunda de la naturaleza, la que incluyo, como en caso de Leonardo, Durero y Miguel Angel, el estudio de la anatomía, una representación naturalista de la realidad.- PROPORCIÓN: es un concepto geométrico ordenador de las formas e imágenes en una unidad.- Divina proporción o Sección aurea (si dividimos una linea, la sección mas pequeña es a las mas grande como la grande lo es al total). - PERSPECTIVA: organización del espacio pictórico, por medio de la cual convergen todas las lineas paralelas de un objeto que son perpendiculares a la línea de horizonte visual, a un punto determinado de tal línea, ubicada siempre a la altura de os ojos del obsevador y de acurdo a la posición que tiene este en relación al punto medio. Los objetos se achican en la medida que estos se alejan del primer plano. Este es un modo arbitrario ya que corresponde a la visión de profundidad monocular.- Perspectiva lineal: método matemático para representar el espacio tridimensional en una superficie plana. Brunelleschi demostró sus principios, pero Alberti fue el primero en formular sus reglas que los artistas podían poner en práctica.- Perspectiva central: Es el diseño realizado de acuerdo a un punto de observación inalterable. El punto de fuga se encuentra en el medio del capo del cuadro. El escorzo será mas acentuado en la medida que se acerque a este punto de fuga. Este campo focalizado crea la sensación de un mundo que tiene centro y la composición se desarrolla a partir de este el motivo central el que está dado por el tema. - Punto de fuga: Es aquel lugar geométrico que está ubicado sobre la linea de horizonte y en la zona exacta hacia la que el espectador observa. Cuando la perspectiva es central el punto de fuga es solamente uno y en consecuencia es donde se descarga la visión.- Perspectiva aérea: La atmosfera progresivamente mas profunda que se halla entre el espectador y un objeto alejado y atrv´s del cual la luz debe viajar, modifica aparentemente los tonos y sus relaciones, disminuyendo los contrastes. La perspectiva aérea es la sugerencia de profundidad que produce la distinta manera de trabajar el color, pues la atmosfera afecta el color, valor y saturación a medida que por la distancia se torna mas densa. - MODELADO: Las formas sólidas se consiguen por medio del modelado en luz y sombra. Los objetos cercanos o alejados de la fuente de luz se iluminan de la misma manera. Las figuras no proyectan sombras y cada una es modelada de manera aislada.. Se persigue imitar los colores locales de los objetos y otorgarle a la forma volumen a partir de la iluminación y el sombreado gradual.- Gradación: pasaje lento y sin recortes de un valor claro a uno oscuro, de un color a otro, de un tipo de textura a otra.4) Composición estática y forma cerrada- Forma cerrada: Formas que muestran continuidad de contornos en su perímetro, lo que contrasta del fondo con el cual se manifiestan con cierta independencia, muestran densidad, cerramiento, solidez, carácter escultórico, solidez, recortadas.- Composición estática: privilegio compositivo de las horizontales y verticales, composición simétrica y forma cerrada, perspectiva lineal y punto de fuga central. 5) representación idealista y mimesis. RENACIMIENTO Características renacimiento1. Composición inscrita en triangulo2. Horizonte alto y amplio3. Puesta en escena de las obras4. Orden perspectiva (da realismo, dios dentro de la historia y de la realidad)5. Arco de medio punto6. Trinidad (3, 9, triangulo, etc)7. Placidez rostros (momento antes o después de la acción, control de emociones)8. retratos ¾ abarca ,casi la totalidad del cuadro9. nocion espacio publico10. principio de unidad y fuerte efecto total, circuito cerrado Paletas restringidas, colores naturalezaAzul ultramar, oro, rojo bermellón, verde, tierras (ocre )Talleres siglo XV1. Pinceles hechos a mano2. Marcos antes de pintar3. Ayudantes para revolver el oleo y temple4. Vejigas de cerdo para guardar los oleos Caracteristicas· Tecnica de construccion lineal· Perfil figuras: uniforme, figuras como esculturas· Vision.planos paralelos al plano del cuadro, vision en superficie· Forma cerrada, equilibrada dentro del marco del cuadro· Pintura autocontenida· Simetrica· Reposo tranquilidad· Multipliciadad de partes, cada una estructurada con colores individuales y locales· Luz: uniforme y difuminada, aisla los elementos de modo que existe multiplicidad de elementos independientes entre si.· Luz difuminada produce:o Perfiles nitidoso Modelado esculturalo Elementos aisladoso Diferentes colores locales· Elementos arquitectonicos son claros y aislados, planos por superficie· Horizonte alto

Taller de Figura Humana


1.Descripción del curso:

Taller teórico y práctico de pintura en el cual se trabajará la noción de escena. La escena es el lugar en el cual sucede la acción, y relaciona problemas de la representación pictórica de la figura humana, de los objetos, del espacio y del tiempo. Tomando como modelos cuatro periodos o movimientos de la historia del arte: Renacimiento, Barroco , Impresionismo y Pop, se analizarán obras de estos periodos artísticos, a partir de lo que se propondrán los ejercicios específicos para cada unidad.





- Clases teóricas de exposición y análisis de material visual de aquellos períodos y artistas que servirán de modelo en los ejercicios.
- Clases prácticas de pintura con modelo. Corrección y análisis de las pinturas realizadas.

















2. Objetivos:


1. A través de ejemplos de obras pertenecientes a la Historia del Arte establecer modelos de representación de la escena.
2. Abordar distintas soluciones del lenguaje pictórico (perspectiva, encuadre y fuera de cuadro, paletas, claroscuro, color local, mancha, forma cerrada- forma abierta, modelo estático- modelo dinámico) para la construcción de las imágenes.
3. Desarrollar criterios analíticos a través de la observación de obras representativas de la historia del arte, que permitan comprender determinadas expresiones y soluciones pictóricas.
4. Desarrollar la creatividad del alumno a través de los ejercicios, entregando herramientas para la comprensión de la historia del arte.

3. Contenidos:

Unidad I: El modelo renacentista: paleta renacentista, ilusión de la tridimensionalidad (perspectiva y modelado), composición estática y forma cerrada, representación idealista y mimesis.
Unidad II: El modelo barroco: paleta barroca, claroscuro, pasaje y pantalla, la mancha pictórica, composición dinámica y forma abierta, representación realista.
Unidad III: El modelo impresionista: paleta impresionista, la mezcla óptica del color, la materia pictórica, pintura alla prima, el referente fotográfico, la representación del instante.
Unidad IV: El modelo Pop: fragmentación, superposición, yuxtaposición, reiteración. Estrategias de collage. Los medios de comunicación de masas como referente. Aplicación grafica del color, los medios industriales.















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